sábado, 18 de octubre de 2025

El dibujo técnico de vestuario sobre la óptica del modelista


El  dibujo  técnico de vestuario sobre la óptica del modelista

Autor: Celso Tetsuro Suono; Master en Diseño Industrial;

Universidade Tecnológica Federal do Paraná

suono@utfpr.edu

Texto original en Portugués

Traducción al español para este blog: Sandra Gutiérrez

El dibujo de moda y sus relaciones con el profesional del área del patronaje 

El dibujo de moda es subdividido en dos tipos: el  y el dibujo técnico. En el proceso de desarrollo de productos, el dibujo artístico, también denominado como croquis de estilo, normalmente es representado de manera expresiva sobre un cuerpo estilizado, descaracterizado de sus proporciones reales.

Al ser transpuesto para las etapas del proceso productivo en la empresa, el dibujo artístico (croquis de estilo o boceto artístico) se puede pasar para un modo de representación plana bidimensional, por medio del dibujo técnico, para representar una pieza de vestuario como si estuviese estirada sobre una superficie plana. Ese traspaso del  dibujo artístico para el dibujo  técnico tiene como principal meta comunicar las ideas del diseñlador a los responsables por las tareas de modelaje y pilotaje de la pieza.

De acuerdo con Fulco y Silva (2003), el dibujo técnico cumple un papel importante en el proceso de desarrollo de productos, pues, además de servir como instrumento para la representación de la pieza de vestuario, es también responsable por la comunicación entre diseñador y modelista. 

También, sobre ese asunto, Rosa y Freitas (2004) observan que las informaciones contenidas en  dibujo técnico deben tener alto grado de precisión  y posibilitar al profesional del área del modelaje, una fácil lectura e interpretación de las  consideraciones del diseñador en relación a la pieza de vestuario.

El modelista es el responsable por la preparación de los moldes de la ropa y para esa tarea él  debe considerar las reglas de contorno anatómico del cuerpo. Básicamente, esos moldes son las matrices que sirven como gabarito para el corte de las partes del vestuario sobre la materia prima textil. Por ser un tipo de dibujo con fines constructivos, el dibujo técnico debe ser desarrollado con la preocupación de presentar en su configuración las proporciones reales  de la  pieza de vestuario en relación al cuerpo.

Para Leite y Velloso (2004), el alto grado de complejidad del dibujo técnico de vestuario exije empeño y paciencia en  su práctica. La fuerte tendencia de la utilización del dibujo técnico en las industrias de confecçãoción  se torna realidad cada vez mas frecuente y, en función de eso,  su aplicación en las empresas se constituye también en diferencial de competitividad en el mercado globalizado.

Sobre esas consideraciones hechas hasta el momento en relación a la representación gráfica en el área de moda, es importante resaltar que ese asunto todavía es campo que genera mucha discusión es polémica tanto en los medios académicos cuanto en las industrias de confección. De acuerdo con Jones (2005), las convenciones para el dibujo técnico de vestuario todavía están en  fase de estudio y buscan directrices que concentuen la manera más adecuada para a su construcción.

Los métodos aplicados en la construcción  del dibujo técnico de vestuario

En el área de moda, algunos estudios abordan aspectos sobre a construcción del dibujo técnico de vestuario por medio de métodos, con la finalidad de direccionar parámetros para a su configuración. Esos métodos son adoptados por las instituciones de enseñanza de moda y por los diseñadores actuantes en el mercado de trabajo, una vez que son raras las publicaciones científicas direccionadas sobre el asunto. Así, cada diseñador desarrolla el dibujo técnico de vestuario de acuerdo con el conoecimiento adquirido en función del método adoptado.

Lo que es interesante observar es  que, a lo se comparan los vários métodos existentes, se percibe la presencia de algunos puntos de concordancia o hasta  mismo de divergencia en lo que se refiere a las recomendaciones dadas por los autores. Ese fenómeno genera confusión para el diseñador cuanto a escoger el método mas adecuado  para representar ese tipo de dibujo al profesional del área del modelaje.

De esa manera, es importante apuntar aspectos relevantes para el presente estudio en lo que dice respecto a esa problemática. Para ese abordage, fueron escojidos algunos métodos y consideraciones propuestos por los seguientes autores: Beltrame (1990) – Itália; Takamura (1993) – Japón; Abling (1995) – EUA; Tain (1998) – EUA; Drudi e Paci (2001) – España; Shimura (2002) – Japón; Leite y Velloso (2004) – Brasil; Jones (2005) – Reino Unido; e Lafuente (2005) – España.

a) El  dibujo técnico de vestuário constituído por medio de una base:

Todos los autores concuerdan que el dibujo técnico de vestuario debe ser desarollado con la ayuda de una base. En la mayoría de las veces, esa base se constituye en el dibujo del proprio cuerpo e su configuración acostumbra seguir los principios de construcción  del cánon (Figura 1)

Figura 1- Construcción del dibujo técnico de vestuario por medio de base
Fuente: Abling (1995, p. 168)


A pesar de ser punto común, el que se percibe es que en su concepción, la construcción  de esa base acaba siguiendo parámetros diferenciados conforme a cada opinión.

Para los autores Takamura (1993), Shimura (2002) y Drudi e Paci (2001), la construcción de la base de cuerpo es constituída por medio de un cánon de ocho partes y media, en posición estática. Ya, en el caso de las americanas Abling (1995)y Tain (1998), la construçcción de esa misma base parte de una figura mas alongada, que distorciona la proporción del padrón del cuerpo real. En otro contexto, Leite y Velloso (2004) y Lafuente (2005) consideran que esa base debe ser desarrollada en las proporciones de una figura más próxima del cánon natural estabelecido por el padrón de ocho partes iguales (Figura 2).

Figura 2- Base de 8 ½ partes; Base de 9 ½ partes; Base de 8 partes
Fuente
: Drudi; Paci, 2001, p. 18; Abling, 1995, p. 15; Leite; Velloso, 2004, p. 9





Esa diversidad de parámetros para la construcción de la base del cuerpo consecuentemente provoca relaciones diferenciadas en la proporción de la representación del vestuario y genera resultados que pueden no corresponder a la real configuración del producto, trayendo com eso, problemas en la interpretación del dibujo técnico. Tain (1998) presenta un ejemplo de ese fenómeno, al comparar dos modelos idênticos construídos en bases de proporciones diferentes (Figura 3).



Fuente: Tain (1998, p. 90)
Figura 3- Interferencias en la proporción del dibujo técnico en bases diferentes


Existe la posibilidad también de la base de dibujo técnico de vestuario configurarse en  otro tipo de estructura que no sea necesariamente el corpo. Tain (1998), Drudi y Paci (2001), Leite y Velloso (2004) y Lafuente (2005) son algunos autores que prefieren substituir la base del cuerpo por una base de manequí técnico (Figura 4). Independiente de la elección adoptada por cada autor (sea la base del cuerpo o la base del manequí técnico), se observa que la lógica de la aplicación de ese fundamento está directamente vinculado a la elección adecuada de la proporción formal de esta estructura.


Figura 4- Manequim técnico como base

Fuente: Leite y Velloso (2004, p. 15); Tain (1998, p. 89); Lafuente (2005, p. 82)


b) La aplicación del boceto en el diseño de ropa técnica:

El diseño de ropa técnica mediante bocetos sigue siendo un tema poco mencionado en el ámbito educativo por los autores. Solo Tain (1998) destaca la importancia de desarrollar un boceto técnico antes de finalizar el diseño (Figura 5).


Figura 5- Aplicación del boceto en la representación del dibujo técnico

Fuente: Tain (1998, p. 102)

A pesar de ello, los resultados gráficos de algunos autores revelan una tendencia a utilizar esta técnica en la configuración de dibujos de prendas técnicas. Los ejemplos de Shimura (2002) y Lafuente (2005) demuestran con mayor claridad el uso del boceto y muestran una tendencia a presentar alternativas más rápidas que contribuyen a mejorar el aprendizaje y a satisfacer con mayor eficiencia las necesidades prácticas del mercado para la representación de dibujos de prendas técnicas en el proceso de desarrollo de productos (Figura 6).




Figura 6- Dibujos técnicos con la técnica de esbozo
Fuente: Shimura (2002, p. 72); Lafuente (2005, p. 97)


c) Contextualización visual de dibujos de ropa técnica:

La gran controversia en torno a la representación de dibujos de ropa técnica se relaciona con su adecuada contextualización visual. Dado que los dibujos de ropa técnica representan al modelo como si estuviera extendido sobre una superficie plana, los aspectos presentados por el método de Leite y Velloso (2004) podrían considerarse los más adecuados para la construcción de dibujos de ropa técnica.

Se observa que la construcción de la posición de perfil se basa, con mayor frecuencia, en la proyección del diagrama de la posición frontal. Abling (1995), Drudi y Paci (2001), Shimura (2002) y Leite y Velloso (2004) son algunos de los autores que utilizan este procedimiento para configurar sus dibujos (Figura 7).

Figura 7- Construcción de la posición perfil a partir de la projección de la posición frente

Fuente: Leite y Velloso (2004, p. 33, 37).

Un dato curioso sobre la construcción de un dibujo técnico de ropa de perfil es que su representación permite visualizar la prenda como si estuviera colocada sobre el cuerpo. Por otro lado, en las posiciones frontal y posterior, los resultados pueden presentar dibujos tanto desde esta perspectiva como desde otra, ya que el modelo también puede visualizarse como si estuviera extendido sobre una superficie plana.

Un ejemplo de esto se presenta en el caso del dibujo técnico de una chaqueta, construido según el método de Leite y Velloso (2004), en el que es posible ver la representación de la prenda extendida sobre una superficie plana en las posiciones frontal y posterior, y superpuesta sobre una base corporal o un maniquí técnico de perfil (Figura 8).




Figura 8- Visualización deñ dibujo técnico de chaqueta de jean

Fuente: Leite y Velloso (2004, p. 137)


Otro ejemplo de este enfoque es el dibujo técnico de pantalones, donde la entrepierna representa la curva como una pieza de tela doblada hacia un lado, con el concepto de la prenda representada estirada sobre una superficie plana (Figura 9). Este principio garantiza que elementos como las costuras laterales sean completamente visibles en todas las posiciones representadas en el dibujo.


Figura 9- Visualización del tiro del pantalón 

Fuente: Leite y Velloso (2004, p. 31); Jones (2005, p. 94)

Sin embargo, al igual que en el ejemplo de la chaqueta, en el caso de los pantalones, la representación de la prenda de perfil muestra el resultado gráfico de la prenda como si descansara sobre un soporte: un cuerpo o un maniquí técnico (Figura 10). Por lo tanto, el dibujo configurado de perfil contextualiza una realidad diferente a la presentada en la representación de las posiciones frontal y posterior, con conceptos constructivos diferentes para el desarrollo de este dibujo técnico.





Figura 10- Visualización de las posiciones frente y trasero del pantalón

Fuente: Leite y Velloso (2004, p. 138-139, 153)


Con respecto a esta cuestión, Leite y Velloso (2004, p. 152) hacen una importante consideración respecto a los resultados generados mediante el uso de su método y afirman que: [...] nunca habrá una correspondencia absoluta, ya que los dibujos son representaciones simétricas y bidimensionales, mientras que la ropa es tridimensional, es decir, tiene volumen.

A partir de esto, se puede observar que autores como Beltrame (1990), Takamura (1993), Abling (1995), Tain (1998), Drudi y Paci (2001), Shimura (2002) y Lafuente (2005) adoptan como principio rector en la representación y visualización de dibujos técnicos de ropa la característica de construir siempre gráficamente el modelo como si se ajustara al cuerpo en todas sus posiciones (Figura 11).

Figura 11- Posiciones frente, perfil, medio-perfil y espalda  para el dibujo técnico

Fuente: Drudi y Paci (2001, p. 169)


d) La aplicación del movimiento en el dibujo técnico de indumentaria:

En algunas situaciones, algunos autores consideran la articulación de movimientos en las extremidades (brazos y piernas) y en ciertas partes de la base para representar mejor el dibujo técnico de la indumentaria. Abling (1995) y Tain (1998) utilizan este recurso al presentar dibujos con los brazos abiertos, señalando que algunas particularidades de las mangas de la prenda se representan mejor en esta posición (Figura 12). Beltrame (1990), Takamura (1993), Drudi y Paci (2001), Shimura (2002), Leite y Velloso (2004) y Jones (2005) son otros autores que también utilizan ampliamente este recurso en su trabajo al representar el dibujo técnico de la indumentaria.

Figura 12- Aplicación de movimiento en la base  Fuente: Abling (1995, p. 165); Tain (1998, p. 91)

Respecto al dibujo técnico de prendas en movimiento, Jones (2005) presenta un ejemplo muy interesante, al que denomina dibujo plano animado. Este dibujo consiste en la representación de la prenda con mangas articuladas que expresan las líneas de pliegue de la tela (Figura 13). Según la autora, el uso de este recurso proporciona una representación gráfica más dinámica de la prenda.


Figura 13 - Dibujo el plano animado y el dibujo técnico de vestuario
Fuente: Jones (2005, p. 94)


Aunque se trata de un recurso único, es importante recordar que los artificios exagerados aplicados a la representación del dibujo técnico de prendas pueden comprometer los principales objetivos comunicativos de esta herramienta en el proceso de desarrollo de producto.

e) Representación del ajuste en dibujos técnicos de prendas:

Como cita Araújo (1996), los patronistas son los intérpretes de los modelos creados por los diseñadores. Además de los aspectos técnicos de la prenda, un dato importante que ayuda a los patronistas a interpretar el diseño del diseñador es la demostración del drapeado de la materia prima textil en relación con el modelo.

Normalmente, el drapeado de la tela es una información difícil de representar gráficamente si la prenda se estira sobre una superficie plana. Es evidente, entonces, que la representación técnica del ajuste de una prenda solo es posible cuando esta se apoya sobre un cuerpo o un maniquí técnico.

Todos los autores coinciden en la importancia de representar el ajuste en los dibujos técnicos de prendas. Incluso quienes trabajan con conceptos y fundamentos para la construcción de dibujos técnicos de prendas como productos estirados sobre una superficie plana argumentan que, en situaciones donde existen elementos como pliegues, frunces, volantes, drapeados y otros detalles más específicos, se hace necesario utilizar recursos gráficos que muestren los pliegues y el volumen de la materia prima textil (Figura 14). Es probable que la aplicación de estos criterios señalados por los autores tenga como objetivo principal la búsqueda de medios que faciliten al profesional del patronaje una mejor interpretación de los aspectos de portabilidad de la prenda.

Figura 14- Representação de caimento da matéria-prima
Fuente: Leite e Velloso (2004, p. 94, 97, 118)

f) Detallando el dibujo técnico de la prenda:

En la mayoría de los casos, el diseñador representa los detalles de la prenda únicamente en el exterior del modelo. Sin embargo, existen situaciones en las que es necesario representar detalles internos de acabado, fundamentales para comprender los procedimientos técnicos de montaje y ejecución que deben aplicarse en la confección de la prenda. Es importante que estos detalles se presenten al patronista en las primeras etapas del modelado de la prenda.


En cuanto a los métodos estudiados, es evidente que esta cuestión rara vez se aborda en la elaboración del dibujo técnico de la prenda. De todos los autores citados, solo Takamura (1993), Tain (1998) y Leite y Velloso (2004) aportan algunas observaciones al respecto.

Figura 15- Representación de detalle del  reverso de la pieza

Fuente: Tain (1998, p. 98); Takamura (1993, p. 76)


Takamura (1993) y Tain (1998) presentan algunos ejemplos de dibujos que intentan demostrar la representación de la parte trasera de la prenda dentro de un contexto general (Figura 15). Leite y Velloso (2004) realizan notas más significativas en las que aclaran mejor la información sobre los detalles de acabado de las prendas a través de dibujos ampliados, con su articulación en situaciones abiertas y cerradas simultáneamente (Figura 16).


Figura 16- Representación de detalle externo e interno


Estas consideraciones demuestran que la información necesaria para una comunicación eficaz a través del dibujo técnico de prendas va más allá de la simple elaboración de un dibujo general del modelo. A la hora de representar detalles, se debe utilizar un lenguaje adecuado para construir los elementos, satisfaciendo así las necesidades de comunicación entre el diseñador y el patronista, así como con los profesionales de la producción.

Todo este panorama revela la alta complejidad que implica la representación de dibujos técnicos de prendas. Incluso dentro de los métodos y consideraciones de diversos autores, existen controversias que requieren un análisis minucioso. Buscar enfoques que guíen mejor las directrices de este campo a través de la ciencia es fundamental, ya que las instituciones de formación en moda son responsables de la formación adecuada de los profesionales que se incorporarán a la industria textil.


Artículo original completo en portugués:

https://www.researchgate.net/publication/314881389_O_desenho_tecnico_do_vestuario_sob_a_otica_do_modelista

Cita y Resumen

Suono, Celso. (2011). O desenho técnico do vestuário sob a ótica do modelista. Projetica. 2. 43. 10.5433/2236-2207.2011v2n2p43. A presente pesquisa tem como proposta verificar a validade dos princípios e fundamentos existentes na construção do desenho técnico do vestuário junto aos profissionais da área de modelagem das instituições de ensino superior e das indústrias de confecção. O campo desse estudo é delimitado por profissionais que atuam como docentes e modelistas nas cidades de Londrina e Maringá, região Norte do Paraná, utilizando como estratégia a aplicação de uma pesquisa qualitativa e de caráter exploratório, descrevendo as opiniões dadas pelos agentes participantes. Apresenta os resultados de forma indutiva, fazendo o cruzamento dos dados e comparando-os simultaneamente entre os dois grupos entrevistados. Em seguida, levanta os principais aspectos a serem discutidos de acordo com as variáveis apontadas e, ao final traz as conclusões pertinentes para essa investigação.


Suono, Celso. (2011). El dibujo técnico de vestuario sobre la óptica del modelista. Projetica. 2. 43. 10.5433/2236-2207.2011v2n2p43. 

Esta investigación busca verificar la validez de los principios y fundamentos utilizados en la elaboración de dibujos técnicos de indumentaria entre profesionales de patronaje de instituciones de educación superior y fabricantes de prendas de vestir. El alcance de este estudio se limita a profesionales que ejercen como docentes y patronistas en las ciudades de Londrina y Maringá, en la región norte de Paraná. La investigación utiliza un enfoque cualitativo y exploratorio, describiendo las opiniones expresadas por los participantes. Los resultados se presentan de forma inductiva, cruzando y comparando simultáneamente los datos entre los dos grupos entrevistados. A continuación, el estudio destaca los principales aspectos a discutir con base en las variables identificadas y, finalmente, presenta las conclusiones relevantes para esta investigación.


lunes, 1 de septiembre de 2025

Diseño textil/ impresos y tejidos


LA NUEVA TECNOLOGÍA TRANSFORMÓ LA FORMA EN QUE SE DISEÑABAN LOS TEXTILES IMPRESOS

Hoy en día, los software de diseño asistido por computadora, como Adobe Photoshop o Illustrator o similares de otras companías, han permitido que cada disciplina del diseño textil desarrolle nuevas prácticas y procesos. Su principal influencia ha sido la producción de diseños textiles impresos, ¡pero no se limita solo a ellos!

El uso de herramientas digitales ha hecho mucho más fácil la creación de patrones o motivos repetitivos.

En diseño textil, las repeticiones se refieren a un diseño que se repite a lo largo de un estampado o tela. Pueden ser pequeñas o grandes, sutiles o llamativas. Crean unidad visual en un diseño y lo hacen más dinámico al repetir los mismos elementos en diferentes tamaños de la página.

Las herramientas digitales también han facilitado el proceso de creación de patrones, al minimizar lo que se denomina "seguimiento", cuando la mirada se dirige a las partes que exponen la discontinuidad y revelan el patrón.

El desarrollo de nuevas herramientas de impresión y las innovaciones en la industria textil han permitido un proceso de impresión textil más eficiente, escalable y sostenible.



UNA MIRADA PRIVILEGIADA AL DISEÑO DE TEXTILES TEJIDOS

¿Cómo funciona el tejido? La urdimbre, un hilo vertical largo al que se unen otros con ligaduras manuales o a máquina (normalmente cuatro), se entrelaza con la trama, una hebra horizontal que se teje por encima y por debajo de cada hilera para crear telas.

Hoy en día, los diseños textiles tejidos comerciales generalmente se crean utilizando telares jacquard mecanizados o computarizados .

A través del tejido es posible crear diferentes texturas, tamaños y colores en las telas terminadas utilizando distintos tipos de hilo, que incluyen desde algodón y lino hasta fibras sintéticas como poliéster u olefina.


CÓMO SE DISEÑAN LOS TEXTILES TEJIDOS



Primero, el diseñador describe el diseño final. 
Debe considerar:
  • La secuencia de enhebrado , tradicionalmente dibujada en papel milimetrado, conocida como papel de puntos.
  • La estructura del tejido que afectará la apariencia de una tela.
  • El color del diseño
Vamos a desglosarlo:

Primero, el diseñador textil delinea y visualiza la secuencia de enhebrado. Tradicionalmente, esto se dibuja en papel milimetrado .

El calado de enhebrado es la instrucción que indica cómo se debe enhebrar la urdimbre para un patrón específico. Se escribe horizontalmente y suele presentarse en una cuadrícula o en un elemento similar a un pentagrama musical. - Cally Booker, Entendiendo el calado de enhebrado - Weaving Space

El diseñador también considera la estructura del tejido, que afectará la apariencia de la tela. Los dos tipos de tejido más comunes son el liso y la sarga.

Tejido liso , en el que los hilos forman patrones alternados apretados que son a la vez fuertes y flexibles.
Los tejidos de sarga , también comunes, utilizan líneas diagonales que se crean al desplazar la urdimbre o la trama hacia la izquierda o la derecha. Existen muchos patrones de sarga comunes y reconocibles, como el de espiga.
Más allá de la estructura del tejido, el color es otro aspecto dominante que rige el diseño de textiles.

Los diseñadores generalmente eligen dos o más colores contrastantes que tejerán juntos en patrones basados ​​en la secuencia de hilos creada por la técnica elegida.

¿Sabías que...? El color final de un diseño de tela también se ve afectado por el grosor del hilo utilizado para tejerlo. Los hilos finos crean telas que reflejan la luz de forma diferente a las de hilos gruesos: las telas más finas reflejan la luz con mayor intensidad, lo que les da un color más intenso.



Fuente:
https://fibreguard.com/

viernes, 15 de agosto de 2025

Recuperación de la estética modernista en la ilustración contemporánea y su vinculación con el diseño de moda

Recuperación de la estética modernista en la ilustración contemporánea y su vinculación con el diseño de moda 

Julia Iskakova
 
Vivimos en una era tecnológica, en un momento en que la tecnología se está desarrollando a un ritmo vertiginoso. Cada día,muchos nuevos descubrimientos se hacen en todos los campos de la ciencia y el arte. Pensamos que hemos ido muy por delante en comparación con el siglo pasado. Pero no es así porque estamos viendo las tendencias similar en el diseño de moda e ilustración que marcó la frontera entre siglos IXX y XX, la era de Modernismo en el Arte. También, como entonces, vemos la necesidad de buscar la inspiración en la naturaleza, flores, mariposas e insectos. 
Así, literalmente, estamos viendo un auge en la popularidad corrientes inspiradas en la Naturaleza en todas las ramas del diseño y del arte.
El objetivo principal de este comunicado es pretender encontrar y analizar los vínculos entre la época del Modernismo y las ten dencias actuales en el conjunto de la fotografía, la ilustración el y  diseño de moda.

Comparación de épocas

¿Vivimos un modernismo del siglo XXI?

El diseño de moda, la ilustración y el arte contemporáneo están viviendo un renacer de tendencias parecidas a las que marcaron la frontera entre los siglos XIX y XX: la era del Modernismo en el Arte.

También, como entonces, vemos un contraste entre el boom del desarrollo tecnológico y las corrientes ecológicas de acercamiento a la naturaleza: el «eco arte», el ”eco fashion”, el ”eco diseño”, el ”slow

fashion”... todos tienen en común un interés protector hacia la naturaleza y el planeta tanto desde el punto de vista de la de la producción industrial como del consumo.

"El arte ambiental o arte ecológico (ecoarte) ha evolucionado desde los movimientos del “earth-art” y el “land-art” de los años 60 y principios de los 70, y se ha visto muy influido por la obra de Joseph Beuys y sus acciones medioambientales "en defensa de la naturaleza"definidas por él mismo como esculturas sociales. El arte ecológico ahora proporciona un contexto para la educación ambiental, y se logra mano a manocon las comunidades. Los Ecoartistas tratan de acceder y convertirse en defensores de las comunidades, trabajando como co-alumnos y también como co-creadores. Su trabajo es colaborativo y da apoyo tanto al ecosistema natural como al social".

En el diseño de moda de estas corrientes se utilizan materiales reciclables: ropa hecha con papel de periódico o con materiales de plástico como vasos, cubiertos, botellas, creando nuevas obras muy vanguardistas (”newspaper couture” o ”recycled fashion” o ”paper dress”, ”moda sostenible”).

También se presta mucha atención al proceso de elaboración de la prenda para que respete al máximo a la naturaleza utilizando fibras y tintes naturales sin química.

 Por otra parte podemos observar las tendencias en el arte y el diseño de Moda donde la naturaleza se utiliza como fuente de inspiración para mostrar la belleza del mundo que nos rodea. De hecho, el producto de la moda se convierte en muchas ocasiones en una obra de arte por sí misma: hay esculturas y prendas de vestir hechas con materiales como hierbas, flores, ramas y raíces de árboles

El precedente

La Revolución Industrial, proceso histórico que se gesta en Inglaterra a fines del siglo XVIII y comienzos del XIX, marca el comienzo de la fabricación en serie y tiene como punto de referencia la Gran Exposición Internacional de Londres de 1851 que era la primera exposición donde presentaron los productos industriales.

De estos ejemplares expuestos se hizo una profunda crítica en su época que denunciaban la falta de calidad y de adecuación al uso de estos productos industriales.

La no aceptación de la mecanización en el arte se expresó en una nueva corriente basada en las ideas estéticas de John Ruskin (historiador y critico de Arte) y William Morris (artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista y político), que presentó el ideal del arte medieval. Este último, junto con artistas del movimiento prerrafaelista, trató de descubrir la belleza del trabajo artesanal que se desarrollaba en talleres frente a la producción que se llevaba a cabo en las nuevas zonas industriales.

A raíz de este movimiento, en 1880 en los trabajos de varios artistas se empieza a desarrollar un estilo totalmente nuevo con nuevas lineas estilísticas que llevarán al nacimiento de la corriente artística llamada "Modernismo" en España, también conocida como "Art Nouveau" en Francia, "Jugendstil" en Alemania, "Sezession" en Austria, "Modern Style" en Inglaterra, "Style sapin" en Suiza, "Nieuwe Kunst” en los Países Bajos, "Liberty o Floreale" en Italia, "Tiffany" en Estados Unidos y ”Modern” en Rusia.

En los distintos países comienzan a surgir asociaciones artísticas que trabajan en un nuevo estilo : "Arts and Crafts” en Londres (1888) gobernadas por William Morris; la Glasgow School gobernada por Charles Rennie

Mackintosh; "La Secesión de Viena" (Vereinigung Bildender Künstler Österreich)(1903) en Austria gobernada por Gustav Klimt; "L'École de Nancy"en Francia; "Mir iskusstva" (Mundo del Arte) (1890) en Rusia.

La época del Modernismo es el principio del diseño y de la profesión de diseñador tal y como la conocemos ahora.

Así, a finales del XIX y principios del siglo XX, el desarrollo de la tecnología (la litografía, la fotografía) y el nuevo estilo de arte (moderno) llevó a la realización de nuevos medios de expresión en el cartel artístico, por un lado, y la aparición de revistas de arte necesarias para la promoción del Arte Nuevo, por el otro.

La necesidad de nuevos medios de comunicación e impresión en la segunda mitad del siglo XIX ha obligado a las impresoras a mejorar la tecnología y prestar atención al diseño de los productos. Por ejemplo, en París, el tipógrafo Jules Chéret fue uno de los primeros en darse cuenta de las posibilidades de la impresión litográfica a cuatro colores para los carteles artísticos. Esta tecnología obligó a los artistas a hacer trabajos muy decorativos y gráficos trabajando con las manchas de colores y contornos muy afilados, creando un lenguaje de ilustración totalmente nuevo (Henri de Toulouse-Lautrec, Alfonse Mucha y otros.)

El diseño gráfico se erige como una actividad artística independiente a partir de su funcionalidad del sistema de signos y la estética. El término "diseño gráfico" lo utilizó por primera vez el diseñador estadounidense William E. Dvidzhings en 1922.

Ejemplos evidentes de este nuevo estilo de comunicación y diseño los podemos encontrar en las revistas: "The Studio", "Revue Blanshet", "Jugend", "Mir Iskusstva", "Die Form", "Equilibrio", "The Golden Fleece", etc., donde tanto forma como contenido crearon un producto único enel ámbito de los medios de comunicación.

Mitologia y simbolismo del Modernismo

La época del Modernismo encontraba inspiración en las formas de la naturaleza. Sus valores filosóficos y estéticos eran la ruptura con la tradición, la innovación permanente, y la búsqueda de nuevos estilos en el Arte y nuevos valores en la vida.

En definitiva, una nueva nueva plataforma ideológica, una revolución espiritual una nueva conciencia y una nueva concepción de la vida. En sus fundamentos encontramos la psicología introspectiva de Bergson y Lossky; la fenomenología de Husserl, el psicoanálisis de Sigmund Freud y Carl Jung; el existencialismo de Kierkegaard, Heidegger, Karl Jaspers, Berdyaev y otros.

Y además, a raíz de estos cambios radicales el Modernismo empieza florecer no solamente en la pintura, escultura y arquitectura, sino también en las artes aplicadas o decorativas, en las artes gráficas y en el diseño de mobiliario, forja, joyería, cristalería, cerámica, lámparas y todo tipo de objetos de la vida cotidiana, incluido el mobiliario urbano y el diseño de moda.

Una característica común para el Modernismo europeo es la idealización y la estilización del patrimonio medieval. El interés en lo fantástico como una manifestación del pensamiento mitológico, se convirtió en un rasgo característico de la época.

La feminidad en el Modernismo

En un lugar especial en la iconografía de la época encontramos la belleza y la imagen femenina.

La Feminidad se elevó a la altura de un principio sagrado de la vida.

Hadas, diosas, princesas... en las obras de artistas e ilustradores surge toda una lista de títulos poéticos que hacen hincapié en la imagen femenina.

Así, el joyero francés René Lalique glorificó a la naturaleza en la joyería, extendiendo su repertorio para incluir aspectos nuevos no tan convencionales (como libélulas y hierbas) inspirados en sus encuentros con el arte japonés.

El Modernismo tenia interés hacia las flores y trataba a cada de ellas como personajes individuales. Las favoritas de los artistas fueron sin duda orquídeas, tulipanes, lirios y iris. En 1856, el pintor francés, grabador y ceramista F. Brakmon vio por primera vez la xilografía japonesa de color de K. Hokusai en la tienda en París. Muy pronto estas xilografías extraordinarias inspiraron a muchos artistas franceses.

Uno de los más significativos de la época en esta temática fue Alfonse Mucha, pintor y artista decorativo checo. Se hizo famoso después de hacer su primer cartel litográfico para la actriz Sarah Bernhardt y su Théâtre de la Renaissance en 1894.

Durante de los siguientes años se hizo muy popular como autor de etiquetas de champan, galletas y otros productos de consumo, y como diseñador de joyas, interiores, y objetos de artes aplicadas como alfombras o cortinas.

Los periódicos parisinos escribieron sobre un nuevo fenómeno: «La mujer de Mucha» que se reproducía por miles de copias en los carteles, postales, las cartas de juego etc. Los gabinetes y las salas de los mejores restaurantes, así como los tocadores de las damas se adornaban con calendarios y grabados del maestro. Sus series gráficas "Estaciones", "Flores", "Árboles", "Estrellas", y "Piedras preciosas" siguen siendo replicadas en carteles hasta la actualidad.

El centro de composición de los trabajos de Alfonse Mucha son las mujeres jóvenes y hermosas rodeadas de flores como una imagen simbólica de las fuerzas de la naturaleza. Hay una comparación de las mujeres con la belleza de las flores. La mujer como una expresión de la vida, como el inicio y la continuación de una nueva era y un símbolo de la belleza. En 1898 Mucha creó una serie especial de pinturas llamada "Flores" que incluía lirios, claveles y rosas.

En nuestro tiempo sigue la influencia de las mujeres de Alfonso Mucha, como podemos ver en la serie de fotografías de la británica Kirsty Mitchell llamada "Wonderland" inspirada en los recuerdos infantiles de los cuentos que le leía su madre. En estas fotografías revivimosimágenes de la era Modernista en la que la heroína es la mujer vestida con ropa y sombreros tejidos con flores y hojas. Este proyecto ganó el Premio Internacional de Fotografía en 2014 y fue publicado en numerosos periódicos y revistas.

Algo similar podemos observar en los modelos de Alexander McQueen de la Primavera/Verano 2007 . Posiblemente el diseño de vestidos en las fotografías de Kirsty Mitchell se parecen tanto a vestidos de Alexander McQueen porque ella también estudió diseño de moda y trabajó en casa de Alexander McQueen.

Otro autor de la época del modernismo es Gustav Klimt que representa la Secesión Vienesa. Las composiciones dinámicas de sus trabajos contraponen el juego de los fondos decorativos con la belleza pintoresca de la imagen medio desnuda de la mujer. En las obras de Klimt la mujer es símbolo de erotismo.

El contraste de los fondos coloridos con la belleza del cuerpo la podemos ver en los trabajos del fotógrafo Zhang Jingna para la colec ción primavera/verano 2015 de Phuong My y Gucci Resort 2013 donde vemos a la mujer rodeada de flores.

La mujer rodeada de flores es un tema muy popular en las campa ñas de diversas marcas de ropa.

Por ejemplo la marca Stella McCartney en su colección para la Pri mavera/Verano de 2012 es un excelente ejemplo de la mezcla de épocas con el fondo floral de color y el modelo en blanco y negro combinando lo modernista con lo contemporáneo.

Otro artista de la época del Modernismo es el ruso León Bakst (pintor, ilustrador de libros y decorador teatral) una de las figuras más prominentes de ”Mir Iskusstva” ( “Mundo del Arte”, el modernismo

de Rusia). Sus trabajos se exponen por primera vez en 1998 dentro de la “exposición de artistas rusos” organizada por Diaghilev. Desde 1907 Bakst vivió en Paris y trabajó en escenografías que fueron una verdadera revolución. El hizo los decorados para las tragedias griegas y en 1908 entró en la historia como el autor de la escenografía y el vestuario para los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev: ”Cleopatra” en 1909, ”Scheherazade” en 1910 ”Carnaval” en 1910, ”Narciso” 1911 ”Dafnis y Cloe” 1912.

En sus ilustraciones Bakst utiliza composiciones muy dinámicas con telas florales.

Una de las fuentes de formación del nuevo diseño de moda en esta época era el teatro que al mismo tiempo se convirtió en inspiración y en imágenes en libros y postales continua siendo numerosa hoy en día un medio de propaganda. En este área Bakst fue un referente clave.

El mismo dinamismo de composición y el juego de las telas estampadas lo podemos encontrar en la campaña de diciembre de 2007 para Vogue Italia del fotógrafo Steven Meisel.

La imagen de la mujer como hada de flores

La era del cambio de siglos que conocemos como Modernismo estuvo marcada por una inusual atención al folclore por parte de todo tipo de artistas. En la literatura rusa y europea esta tendencia se refleja en la popularidad de las leyendas y los cuentos de hadas que se extiende a las obras teatrales y musicales..

Las imágenes de las hadas y los elfos proliferan en la época del modernismo, especialmente en las joyas. Los joyeros de esta época nos dejaron un patrimonio de piezas impresionantes con imágenes míticas de mujeres-hadas, mujeres- libélulas, mujeres mariposas... Encontramos ejemplos maravillosos en los trabajos de René Lalique joyero francés yno de los representantes más destacados del Art Nouveau; en los trabajos de Luis Masriera joyero español de Cataluña que tenía un estilo muy personal basado en las influencias de René Lalique; Henri Vever y otros.

Como una continuación de este mundo mágico podemos citar las obra del escritor-ilustrador Ernst Kreidolf (1863–1956) de la época del modernismo de Bern.

Durante varios años vivió en un pequeño pueblo, entre la naturaleza alpina, donde creó un mundo mágico fabuloso y lo pobló de flores humanizas, mariposas, escarabajos y otros insectos … Todos estas fantásticas metamorfosis las encarnó en ilustraciones de acuarela dentro del estilo Art Nouveau. En 1898 publicó su primer libro de cuentos de hadas. El escritor y artista habló a los niños acerca de un mundo mágico de hadas mágico oculto al ojo humano, donde el dolor y la alegría tenían un sentido así como las cuestiones morales.

La Imagen de hadas de flores aparece ante nosotros en las postales « Flower Girls 1890» de Liebig Trade Company y de Margaret Dulk de Gibson Art Company, 1915 Similares imágenes encontramos en la actualidad en fotógrafos como el vietnamita Duong Quoc Dinh. En sus obras vemos fabulosas imágenes de las mujeres como criaturas míticas, como flores que crecen en la selva.

Pero las imágenes de hadas de flores más conocidas son las de la ilustradora inglesa Cicely Mary Barker que hizo una enorme contribución al desarrollo de esta corriente en sus ocho libros ilustrados, el primero de los cuales se publicó en 1923.  La reproducción de estas imágenes en libros y postales continua siendo numerosa hoy en día. 

Por otra parte tenemos que señalar que en las ilustraciones de Cicely vemos no solamente ilustraciones sino también los diseños de vestidos fabulosos. También tenemos que destacar que este detalle es un vínculo directo con el diseño de moda. La moda siempre era reflejo de la sociedad. Por el vestido se podrían deducir muchas cosas como la clase social, el gusto personal y la pertenencia al país y la nacionalidad.

Por todo esto la ilustradora antes de hacer su trabajo tenia que imaginar qué vestido podría tener un hada y además cómo eran las hadas de las distintas flores. Cada una de ellas tenía un vestido inspirado en la formas y colores de la misma flor. Desde este punto de vista podemos concluir que este libro no era solamente un abecedario de hadas de flores sino elabecedario del aprendizaje del diseño de moda.

En la siguiente serie de ejemplos de campañas de marcas de Moda vemos una interesante combinación de fotografías sobre fondo de las ilustraciones artísticas de gran tamaño.

Hay una combinación de la ilustración y de la moda con la fotografía donde el centro de la composición es la mujer frágil que parece un Hada paseando entre flores. La misma inspiración que en las ilustraciones de Cicely Mary Barker.


Podemos observar más ejemplos en las fotografías de la colección de Red Valentín 2014 de la Nueva York fashion show, en la campaña de BIZUU de Primavera/Verano 2013, y en Dolce & Gabbana

Primavera/ Verano 2014. En la campaña de Dolce & Gabbana, vemos lirios y iris, unas de las flores favoritas de la época del modernismo.

En gran medida el interés en el tema de las flores y las mariposas e insectos en la época del Modernismo había surgido también por causa del interés en la cultura asiática y especialmente la cultura japonesa donde este simbolismo ocupa un papel dominante en el arte y la filosofía. Actualmente estamos viendo la técnica que combina los pétalos de flores y hojas de plantas con el dibujo artístico, justo en los trabajos de los ilustradores de Singapur y Malasia.

En las ilustraciones de moda de Grace Ciao, de Singapur, los diseños de los vestidos nos recuerdan las hadas de flores del Modernismo con una diferencia y es que para la creación de los mismos se habían utilizados hojas y pétalos de flores.

Lim Lizmy Zhi Wei, también de Singapur, y Tang Chiew Ling de Malasia, hacen collages combinando plantas vivas con el dibujo artístico. Estos objetos de la naturaleza, pétalos de flores y hojas complementados por la línea artística y combinados crean interesantes ilustraciones de moda.

Otro ejemplo de combinación del diseño, la fotografía y la ilustración lo podemos ver en en el libro "Fairie Ality-Fashion Collection from the House of Ellwand Hardcover” del fotógrafo Ellwand Hardcover, donde vemos unas asombrosas composiciones del herbolario, pétalos de flores secas y plumas de aves que se nos presentan en forma de vestidos para de hadas y elfos.

En las fotografías de Michel Tchetverkoff en su proyecto ”Shoe Fleur”,el autor crea los accesorios para hadas: zapatos y bolsos fantásticos diseñados a partir de pétalos de flores y hojas de plantas vivas. Como autor describe su proyecto: ”Shoe Fleur es acerca de los pensamientos e ideas que proceden de un lugar imposible de encontrar en mi mente donde los colores, formas y fantasías se convierten en imágenes …”

La estética, los colores, y la estructura de las flores y de la naturaleza influyen incluso al diseño de los desfiles de moda aparte del diseño de los vestidos.

Por ejemplo, en el desfile de moda de Chanel de la Primavera 2015, el 28 de enero en Paris Grand Palais, destacó el tema floral de toda colección. Al principio del desfile crecieron por toda la sala flores y plantas robóticas. Como dice el diseñador, este mundo futurista lo vió en sueños y lo tuvo que recrear para este desfile. Es algo romántico, mágico, mítico, un mundo fantástico de hadas donde las mismas modelos parecen hadas de flores en sus vestidos no menos fantásticos que la escenografía del desfile.

Las flores en el diseño de moda es un tema muy popular a lo largo de la historia y en la actualidad. Cada día más podemos observar nuevos diseños magníficos inspirados por naturaleza. ¿Qué es esto? Las mismas tendencias que en el modernismo, llevar nuestros pensamientos y la imaginación a los orígenes del ser humano, hacia nuestra Tierra, nuestra Madre, nuestra Mujer mas bella.

Analizando y comparando dos épocas hemos visto las tendencias florales del Modernismo en las ilustraciones y en el diseño de moda actuales.

Tenemos que aprender ver el mundo mágico de la naturaleza que nos rodea para descubrir que la creación y la imaginación no tienen límites. Tenemos que abrir nuestros ojos, mentes y corazones para encontrar en las cosas que a primera vista parecen simples unas fuentes inagotables de Inspiración.

Y lo que nos puede ayudar muchísimo en este viaje es una mirada hacia atrás, a la experiencia, la vida, los pensamientos y las magníficas creaciones de artistas de tiempos pasados.

Fuente:

https://ocs.editorial.upv.es/index.php/ILUSTRAFIC/ILUSTRAFIC2015/paper/view/454

Autora: Julia Iskakova

Especialista en diseño, arte y diseño de moda.

Actualmente está desarrollando su propio proyecto empresarial

de desarrollo de aplicaciones móviles educativas. 

Estudios: Doctorado de la Facultat de Belles Arts de la UPV.

2014-2015 Máster en creación denegocios digitales IMBS -Internet&- Mobile Business School

2011-2012 Máster en Producción Artística, Universitat Politècnica de València

1997- 2002 Licenciada en Diseño de Moda por la Universidad de Arte e Industria, San-Petersburgo, Rusia.